Балет методом Вагановой

Балериной своего времени можно считать Агриппину Ваганову. Ваганова стала своеобразным символом балета. Однако, чтобы достигнуть определенных высот Агриппине пришлось много работать над собой и сутки напролет заниматься хореографией. Она была прекрасно знакома с балетной жизнью, ведь сама, чтобы попасть на сцену, прошла все уровни формирования, как балерины.

Агриппина Ваганова с детского возраста стала заниматься в балетной школе, где изучала все премудрости разнообразной техники танца. Кроме того, Ваганова еще в юном возрасте не хотела мириться с однообразием репетиций и занятий, она старалась каждый урок сделать для себя неповторимым, и поэтому придумывала своеобразные вариации различных движений, которые соединяла в одно целое. Ваганова для того, чтобы в совершенстве овладеть техникой мастерства, должна была продумывать каждое движение, разбивать его на несколько составляющих. Сложной манерой своего исполнения Ваганова привлекла балетмейстеров Мариинского театра, которые и приняли ее в кордебалетную труппу. На протяжении многих лет, несмотря на совершенство исполнения, Агриппина Ваганова всегда оставалась в составе кордебалета, или на вторых ролях. За свою балетную карьеру она сыграла только несколько ведущих ролей, которые были прекрасно восприняты публикой. Однако мнения зрителей совершенно не учитывали балетмейстеры и художественные руководители театра. Для них Ваганова не являлась эталоном утонченной балерины, который сформировался в то время. Но Ваганова не сдается и продолжает долгие мучительные репетиции, создает свой уникальный стиль.

Балетный путь Агриппины был очень не простым, она так и не стала признанной великими мастерами того времени. Гораздо позднее, когда Агриппина Ваганова была отправлена на пенсию, она долго ищет, где ей можно применить свой талант. Ваганова окунается в преподавательскую работу сначала в частных школах, а затем в балетном училище. Ваганова и здесь не обращает внимания на трудности. Она упорна и настойчива в обучении и требует от своих подопечных того же.

Ваганова все, что усвоила за годы своих занятий, переносит на своих учениц. Она формирует свой своеобразный метод. Ваганова отходит от академических приемов балета и начинает применять новую хореографию. При этом в обучении девочек Ваганова пользуется тем аналитическим методом, который разработала в свои годы учебы для себя. Каждая ее ученица училась обдумывать то, что она делает на сцене. Только в этом случае, по мнению Ваганов, танец мог получиться целостным и красивым. Однако в основу любого танца Агриппина Яковлевна закладывала классические элементы, с которыми позднее можно было работать.

Отличал метод Вагановой от всех остальных преподавателей и индивидуальный подход к каждой ученице. Пользуясь одними и теми же приемами, Ваганова помогала становлению разных балерин. Однако школу Вагановой можно было рассмотреть сразу. Все балерины, которые обучались у нее, имели особую осанку и четкость движений, обладали воздушностью и грацией, гибкостью и гармоничностью. Позднее Ваганова начинает использовать в своих балетных постановках даже элементы акробатики. За время преподавания Вагановой в балетной школе она смогла дать сцене замечательных балерин, отличающихся своим мастерством и техничностью.

Легенды русского балета

Российская балетная школа считается одной из самых сильных в мире. Балетное искусство, развиваясь, начинало приобретать своих почитателей, которые приходили в театр не только посмотреть на единый танец, а оценить игру отдельного актера или актрисы. В разное время на подмостках различных театров блистали мастера балета, ставшие известными во всем мире. Среди них можно назвать балерин, танцевавших в конце XIX – начале XX века.

Легендой балета считается Анна Павлова, которая блистала в таких спектаклях, как «Щелкунчик» или «Конек Горбунок». Анна Павлова была одаренной балериной, однако она не останавливалась на достигнутом, и постоянно совершенствовала свои навыки. Специально для Анны создавались миниатюрные роли, в которых она могла максимально себя проявить. Мировую известность Анне принесло участие в русском сезоне, устроенном Дягилевым в Париже.

Немаловажную роль сыграл Дягилев и в карьере Вацлава Нижинского. Меценат сделал этого танцовщика солистом своих Русских сезонов, которые с колоссальным успехом состоялись в Париже. Дальнейшая работа Вацлава Нижинского складывалась достаточно успешно, он много гастролировал не только по Европе, но и по всему миру. Основы балетного искусства, заложенные еще в Санкт-Петербурге, помогли Вацлаву получить мировую известность. С самого детства Нижинский был окружен красотой балета и еще в раннем возрасте испытывал свои силы в выступлениях на большой сцене Мариинского театра, где его выступления имели настоящий фурор. Поэтому, неслучайно, повзрослев и получив образование, Вацлав Нижинский стал профессионально работать в театре. Танцор сломал все стереотипы по поводу внешнего вида балетного исполнителя. Он был невысокого роста и достаточно крепкого телосложения, что было просто не приемлемо для балетного искусства, где почиталась свобода движения и виртуозность. Однако своим природным талантом и мастерством движения Вацлав покорил не только руководителей театра, но и публику. Кроме того, каждый образ, созданный Нижинским на сцене, за счет мимического выражения обладал колоссальной энергией. После внезапного увольнения из Мариинского театра, Вацлав продолжает работать на балетной сцене, танцевать в разнообразных постановках, а позднее в Лондоне даже организовывает свою балетную труппу. Однако жизнь Нижинского, полная триумфа и успеха, заканчивается довольно печально в психиатрической лечебнице.

Настоящим открытием Михаила Фокина стала балерина Тамара Красавина. Она появляется на сцене в то время, когда происходят существенные преобразования в балетном искусстве, когда ведущие балетмейстеры пытаются создать новые тенденции, когда происходит поиск новых актеров и балерин. Еще, будучи студенткой, Тамара Красавина начинает выступать в балетных спектаклях. Однако любители этого вида искусства видят в выступлениях Красавиной очень много недостатков. Исправить такое положение помог Михаил Фокин, который создал для Тамары отдельные партии в спектаклях, которые помогли наиболее полно открыть талант балерины. Тамара, как и многие танцоры этого периода, также принимает участие в «Русских сезонах», устроенных Дягилевым в Париже.

Особое место в истории русского балета занимает Михаил Фокин, который долгое время являлся ведущим балетмейстером и танцором. Его балетные представления оказали значительное воздействие на развитие этого вида театрального искусства. Он танцует не только в академических постановках, но и ставит свои балеты. Кроме того, Фокин считается новатором в балетном искусстве, который, проводя реформирование, заложил основы новых традиций. Именно Фокин создает балет, в каком нет сюжета, и в своих постановках соединяет несколько стилей. Фокин является художественным руководителем Русских сезонов, прошедших во Франции.

Значительной персоной в балетном искусстве является и Галина Уланова, не только блиставшая в разнообразных постановках, но и являющаяся талантливым преподавателем балетного мастерства. В ее танце мастерство движения и характера, образа и мысли.

Легендой балетного искусства XX века стала балерина Майя Плисецкая. После окончания хореографического колледжа Майя начала свою работу в Большом театре, в последствие стала его Примой. Плисецкая играет в самых разнообразных спектаклях. Однако балерина известна не только в России, но и далеко за ее границами. Плисецкая некоторое время была художественным директором балета в Риме, работала в Испании и других странах. О ней написаны книги, а ее автобиография рассказывает о сложностях жизни и работы балерины.

реформы и инновации в российском балете

История российского балета прошла те же стадии развития, что и в других странах мира. Постепенно классические танцевальные традиции начинают пересматриваться и трансформироваться. Творческие взгляды хореографов обращаются все к новым тенденциям. Главным новатором русского балетного искусства стал французский балетмейстер Мариус Петипа. На основе классического танца балетмейстер вводит новые формы раскрытия характера. Балет становится уже не только танцем, мастерски исполненным, а настоящим театральным зрелищем, где есть свои чувства и эмоции, где можно выделить сюжет и переживания героев. Кроме того, Мариус Петипа создает совершенно уникальные постановки, в которых немаловажное значение отводится всей балетной группе, включая кордебалет. Соединить на сцене большое количество людей, синхронно танцующих и при этом еще играющих определенную роль, было большим достижением для российского театра конца XIX века.

Петипа главное место отводит женским ролям, предоставляя им право солировать во всем спектакле. Грациозность и удивительная воздушность балерин не оставляет публику равнодушной к балетному танцу. Каждое движение танцора выражает определенные эмоции. Однако Петипа большое место отводил не только танцевальному мастерству, но и пантомиме героев. Танцоры на сцене театра должны были играть, а не просто исполнять виртуозные па.

Продолжает традиции, заложенные Петипа и российский балетмейстер Михаил Фокин. Этот мастер сцены продолжает развивать балет как целостное искусство, где важно все: и движение тела, и поворот головы, и выражение лица, и эмоция. Балет представляет собой спектакль, над которым поработали хореографы, режиссеры и музыканты. Балет постепенно приравнивается к драматическому искусству. Он становился не только танцевальным искусством, это стало творчеством, в котором приветствовалась природная пластика и техническое мастерство исполнения партии. Хореографы постепенно пересматривали классические традиции и открывали для себя новые возможности реализации танцевальных задумок.

Новаторов в балетном искусстве можно считать и американку Айседору Дункан. Эта танцовщица на основе традиционного балетного мастерства, создала свой неповторимый стиль, где на первом месте была свобода выражения настроения и естественная легкость. Все реформаторы русского балета практически полностью отвергли все, что было накоплено за столетия балетной истории.

Продолжил реформировать балет и Дягилев, которые показал возможности русского балета всему миру. В период революции и последующие советские годы российский балет потерял свое первоначальное значение и превратился в инструмент агитации и продвижения революционных идей. На второй план отступают все преобразования в танце и достижения в хореографии. Главную роль занимала идея и сюжет, а не танец и чувства актера. Поэтому российские балетные постановки приобретают однообразность.

Однако с начала 50-х годов XX века начинается новый виток в развитии балетного искусства. В это время с гастролями за границу выезжает труппа Ленинградского театра, которая воспевает российских мастеров танца на весь мир.

Балет в России

В России балетное искусство, как и в других европейских странах, появляется в виде небольших межактовых сценок. Царь Михаил Федорович при своем дворе имеет даже личного танцора, который призван был не только веселить гостей царя, но и учить придворных танцевальном мастерству. Балетный танец, как таковой, начинает появляться только при правлении Петра I, который, беря пример с иностранцев, приказывает своим согражданам обучаться этикету и танцевальному мастерству. По приглашению российского императора приезжает известный французский хореограф и балетмейстер Жан Батист Ланде, который открывает первую танцевальную школу в Санкт-Петербурге. Изначально в этой школе обучаются только придворные Петра I для того, чтобы блистать мастерством балетного танца на балах и праздниках. Однако для того, чтобы в России балет стал театральным зрелищем, этого было недостаточно. И Ланде набирает в свою школу маленьких девочек и мальчиков, которых с самого детства учит всем премудростям балетного танца. Успех этой работы не заставил себя долго ждать. На удивление публики танцоры превосходно исполнили свои партии и поразили всех присутствующих. При правлении Петра I танцам обучались все молодые люди, учащиеся кадетского корпуса, которым было поручено выступать на музыкальных мероприятиях, проводимых при дворе, а также в публичных местах Санкт-Петербурга.
На процесс развития балета в России оказал влияние и французский танцор Мариус Петипа. Именно он привнес в это искусство виртуозность и техническую сложность, что позволило российскому императорскому балету стать одним из лучших в Европе. Петипа в своих постановках главную ставку делает на женские персонажи, специально для которых создаются сольные партии. Среди таких балетов можно назвать «Лебединое озеро» и «Спящую красавицу», где играли многие балерины.
Оригинальным балетное искусство в России стало в XIX веке, когда в Санкт-Петербург приезжает балетмейстер Дидло. Именно этот француз создает на сцене единство сольных партий отдельных танцоров и кордебалета, при этом кордебалет уже не выступает в качестве фона, а получает значимость на сцене. Кроме того, в это время большое значение придается женским партиям, где балерины могут продемонстрировать свое мастерство и легкость.

Но не только французы подняли русский балет на совершенно новый уровень. Российская школа воспитала и своих мастеров танца. Среди них можно упомянуть Дягилева, ставшего основателем труппы «Русский балет». Новые идеи в балет привносил и Михаил Фокин, считавший танцевальное искусство выразителем эмоций и чувств, где каждый жест, каждое движение играет особенную роль.
Такое стремительное развитие балетного искусства привело к тому, что многие композиторы начинают создавать музыкальные произведения специально для таких танцевальных постановок. Признанным мастером и виртуозным композитором является Петр Чайковский. Его музыка звучит на балетах «Лебединое озеро» и «Спящая красавиц», «Щелкунчик» и других. Танец вслед за музыкой превращается в симфонию, а балет становится монументальным искусством.